КультураНовости

Осторожно, гроза!

Премьера спектакля «Гроза» по одноименной пьесе Александра ОСТРОВСКОГО прогремела в праздничные весенние дни в столичном Государственном академическом русском театре драмы имени М. Горького. Об актуальности постановки в наши дни рассказал режиссер Рача МАХАТАЕВ.

— Рача, насколько актуальна сегодня знаменитая пьеса Островского «Гроза»?

— Этот литературный материал был предложен руководством театра. Я на него откликнулся, так как мне показалось интересным представить публике знаменитую русскую классику в формате малой сцены. Сегодня театр находится на ремонте, временно нет выхода на большую площадку. Классика актуальна всегда, поскольку прошла испытание временем.

Мы не будем претендовать на какое-то космическое открытие, а просто попытаемся войти с автором в диалог, чтобы поговорить на разные темы. После изучения пьесы у нас возникли ощущения, что мы живем в мире с тотальным дефицитом любви, когда постепенно вымирает самое важное жизнеобеспечивающее чувство. Любовь во всеобъемлющем плане подразумевает под собой не только сердечную привязанность мужчины к женщине, родителей к детям, но и теплое отношение к ближним. К сожалению, мы живем в дефицитное время, когда это светлое чувство умирает, поэтому хотели поговорить со зрителями о катастрофических последствиях вымирания любви.

— Какие нововведения вы привнесли в постановку?

— Думаю, не будет формальных новшеств, так как мы постараемся уйти от временных рамок. Сценография выполнена в минималистичном стиле, вся смысловая нагрузка лежит на плечах артистов. Согласно нашей задумке, мы все находимся в едином пространстве. Зрители не будут отделены от артистов, они станут соучастниками действа и попадут в пространство города Калинова, где происходит действие спектакля.— Вы упомянули о том, что в вашем понимании театр принято считать пространством парадокса. Как это можно объяснить на примере пьесы «Гроза»?

— Вечная классика не перестает рассказывать о противоречиях нашей жизни, где в повествовании нет восклицательных знаков, а все больше преобладают вопросительные. Казалось бы, смерть Катерины — большая трагедия, она совершает страшный грех, но это можно рассмотреть как духовное освобождение. Почему-то главная героиня, изменив мужу, может почувствовать себя свободной и счастливой. Если вспомнить основную сюжетную линию дома Кабановых, то также возникает парадокс. Вроде бы мать любит своих детей, но ее светлые чувства воспринимаются как деспотия. Именно от такой своеобразной удушающей любви хочется бежать из дома. Все персонажи пьесы чувствуют себя некомфортно в родных стенах из-за недостатка любви, заботы, прощения и милосердия друг к другу. Проблема побега из дома здесь существует у всех без исключения. В ключевой сцене, где Катерина, предчувствуя беду, ужасается своим чувствам из-за того, что готова сбежать вместе с Борисом, просит прощения у мужа, но он ее не берет с собой в поездку. Вроде бы происходит страшное — муж оставляет жену. Но некоторые зрители понимают мотивы такого поступка, потому что Тихон сам бежит из дома, спасаясь от удушающей материнской опеки. Парадокс жизни состоит в том, что нет правых или виноватых, поэтому тем интереснее столкновение характеров и судеб людей.

— Вы успели поработать с российскими и казахстанскими творческими коллективами. В чем отличие подготовки спектаклей на камерной и большой сцене?

— В каждом из городов сохраняются традиции русского драматического театра, есть небольшая разница в обстоятельствах, наличии средств и кадров. В любом случае режиссер должен отталкиваться от авторской идеи, откликаться на эти вопросы и темы и за счет актеров выйти на диалог с автором. Островский, по сути, был режиссером, он сам писал и ставил пьесы. В пьесе «Гроза» есть все, отлично прописаны взаимоотношения героев. Мы немного сократили текст и постарались перевести какие-то вербальные вещи, выраженные словами, на язык действий. Во время спектакля артисты находятся со зрителем в диалоге. На малой сцене актеры находятся в непосредственной близости, видны даже морщинки на лице. Если на большой сцене нужно использовать широкие мазки, то на малой сцене все звучит немного тоньше. Возможно, режиссеру при изучении материала надо немного усомниться в закоренелых хрестоматийных вещах и догмах. Каждый из нас в душе Катерина, Борис, Тихон, поэтому перед артистами была поставлена задача рассказать свою историю. По мере взросления постепенно в каждом из нас происходит отмирание того, что когда-то было цельным, светлым и чистым. К сожалению, нет однозначной инструкции, как с этим бороться, есть только парадоксальные наблюдения из жизни.

 

Немного о спектакле

Ульяна ШТИЛЬМАН, исполнительница роли Катерины:

— На каждом этапе жизни человек по-разному воспринимает классические литературные произведения. Эта пьеса была скучной для меня и в школе, и в университете. Спустя десять лет, когда мы ее перечитали, многое показалось мне созвучно с сегодняшним временем. Моя Катерина — сильный человек, который пытается сломать систему. Из-за уничтожающей родительской тирании, эгоизма, неудовлетворенных амбиций и обид, нежелания прощать герои пьесы стремятся вырваться из родного дома. Мне нравится, когда режиссер отталкивается от каждого персонажа, вытягивает что-то близкое конкретному артисту. Здесь прорабатывается история личной драмы.

Сергей МАШТАКОВ, исполнитель роли Бориса:

— Этот спектакль предоставляет возможность показать разные возможности актерского аппарата. О такой роли я мечтал давно. Всегда, когда готовлюсь к роли, пытаюсь оправдать своего героя и понять мотивы его поступков. Я в нем не вижу ничего отрицательного, просто так сложились жизненные обстоятельства. Екатерина МАКСИМ, исполнительница роли Варвары:

— Я давно хотела сыграть Варвару, у меня в репертуаре таких ролей раньше не было. Обычно играю лиричных героинь, таких как Татьяна Ларина, Джульетта, Эдит Пиаф. Когда шли первые читки, я сама попросила режиссера дать мне эту роль. Мне понравилось, что Варвара — характерная, разноплановая и неоднозначная. Моя героиня нежная, любящая, но по стечению обстоятельств ей пришлось научиться стать хитрой и коварной. Наверное, именно она подтолкнула Катерину в объятия к Борису. В малом зале все эмоции отчетливо видны перед глазами зрителей, поэтому нельзя допустить никакой фальши. Надо сыграть настолько точно и искренне, чтобы зритель тебе поверил.

Ильшат ВИЛЬДАНОВ, сценограф, художник-постановщик:

— На камерной сцене особенно заметна фальшь, там работают немного другие законы. Мы постарались передать дух времени. Практически все наряды персонажей — темного цвета, кроме Бориса, облаченного в белый костюм. Он приезжий, поэтому выделяется среди местных жителей. По нашей задумке черные костюмы на фоне белого забора стали открытым приемом, подчеркивающим резкий контраст. В ходе спектакля забор постепенно разрушается. Это символизирует то, что мы все выстраиваем внутренние заборы и все живем за замками, за которыми часто скрываются семейные проблемы.

Людмила КРЮЧКОВА, исполнительница роли Кабанихи:

— Мы отошли от традиционного понимания образа Кабанихи, которую характеризуют как деспота, тирана и ханжу. Мне, как исполнительнице, интересно было найти в ней то, что совпадает с моим внутренним миром. У меня тоже есть сын. Работая над ролью, я перед собой ставила задачу показать, что моя героиня безгранично любит своих детей, возможно, излишне их опекает. Все ее поступки продиктованы заботой о своих детях — так, как она это понимает. Хотелось, чтобы это почувствовал зритель. Мне кажется, в результате цепочки событий, которые происходят в пьесе, она оказывается права. Все, о чем предупреждает Кабаниха, рано или поздно происходит. Режиссер говорил о том, что пьеса не о крепостнических устоях древнерусского уклада, а о дефиците любви, который есть и у нас сейчас.

Фото предоставлено пресс-службой театра

Метки
Показать больше

Дана Аменова

Журналист

Похожие статьи

Закрыть